BARRANQUILLA, COLOMBIA
SEDE:
PLATAFORMA CANIBAL / CASA DE HIERRO
Descripción
El Laboratorio Internacional para la Traducción Imaginativa inaugura su ciclo de encuentros como un espacio de producción, pensamiento y experimentación colectiva en torno al archivo y sus múltiples formas de activación. Situado en #barrioabajo, en Plataforma Caníbal y la Fundación Casa de Hierro, el laboratorio convoca a artistas, gestorxs culturales, líderes comunitarios y creadorxs multidisciplinarixs a trabajar en la construcción de archivos individuales y colectivos desde una perspectiva situada.
Acompañado por el artista mexicano Ulises Matamoros Ascención y la artista checa Lenka Holíková, y bajo la coordinación de Matamoros, el laboratorio cuenta con la participación de invitadxs como Lenka Holíková, Giovanna Maroccolo, Mohsen Emadi, Sophia Sacals, Dayro Carrasquilla, Rafael Rodríguez y Paloma Carolina Conejo.
Se desarrolla a partir de una metodología procesual, colectiva y situada, en la que la traducción se entiende como una práctica de desplazamiento, escucha y transformación. El proceso articula cuatro momentos: la construcción de un marco conceptual común; la investigación y recolección de materiales en campo; los encuentros con invitadxs como espacios de traducción colectiva; y la producción de obras y archivos en una exhibición abierta curada por Ulises Matamoros que culmina en una activación pública.
Sede:
Plataforma Canibal
Casa de Hierro 50B No. 42-43 Barranquilla.
Enero y febrero 2026
Sábados de 3:00 pm a 6:00 pm
EXPOSICION
"LOS FANTASMAS QUE HABITAN LA CASA. ARCHIVOS PERSONALES Y COMUNITARIOS.
Participantes:
Alberto Barros, Armando Ruíz Ramírez, Haroldo Varela Gomez, Omar G. Arreola, Henry Navarro, Analida Pedrosa, Carlos Insignares, Larry Mass Torres, Keren Balbuenas Galeano, Paola Donato.
Curaduria
Ulises Matamoros Ascención
Montaje
Ulises Matamoros Ascención y Omar G. Arreola
Próximamente.
Catálogo digital de exposición
Con el apoyo de:
Chasen Thajni / Ediciones Chasen Thajni / Ulises Matamoros Ascención STUDIO
Metodología de trabajo
El seminario–taller se desarrolla a partir de una metodología procesual, colectiva y situada, propia del Laboratorio Internacional para la Traducción Imaginativa (LIPTI), en la que la traducción es entendida no como un acto de equivalencia, sino como una práctica de desplazamiento, escucha, transformación pérdida y ganancia.
El proceso se estructura en cuatro momentos interrelacionados, que se activan de manera progresiva y, en ocasiones, simultánea:
1. Activación conceptual y marco teórico
El laboratorio inicia con sesiones de seminario orientadas a la construcción de un marco conceptual común, a partir de discusiones en torno al archivo, la memoria, el testimonio, el silencio, la pérdida, la intraducibilidad y la traducción como práctica crítica. Estas sesiones permiten establecer un vocabulario compartido y abrir preguntas que guiarán todo el proceso.
2. Investigación, recolección y trabajo de campo
Paralelamente, se activan ejercicios de observación, visitas de campo y recorridos, así como prácticas de recolección de materiales, documentos, restos y relatos. Estas acciones no buscan la acumulación de objetos, sino la atención a los modos de aparición, circulación y desaparición de los materiales, entendidos como portadores de memoria, experiencia y sentido.
3. Encuentros con invitadxs y traducción colectiva
El laboratorio se expande mediante encuentros con artistas, poetas, curadorxs e investigadorxs invitadxs, quienes comparten metodologías, prácticas y experiencias situadas. Estas sesiones operan como momentos de traducción transversal, en los que se ponen en relación lenguas, disciplinas y modos de hacer.
4. Producción, exhibición procesual y activación pública
A partir de los materiales, registros y traducciones producidas, se desarrollan ejercicios prácticos y talleres de creación, en los que cada participante define formas de materialización abiertas: obras en proceso, dispositivos, textos, acciones, registros o archivos.
El laboratorio funciona durante todo el proceso como una exhibición abierta, en la que los rastros del trabajo colectivo permanecen visibles. El proceso culmina con una exhibición final, concebida como una activación pública de los materiales y procesos, y no como un cierre definitivo.
Equipo
Ulises Matamoros Ascención
Artista, docente y curador
Director y fundador del ILIT
Santa Inés Ahuatempan, Puebla, México, 1984. Artista Plástico, docente y comisario independiente de exposiciones. Licenciado en Diseño y Artes Plásticas por Escuela Libre de Diseño y Artes, Puebla, México (2004-2009), Certificado en Teoría Crítica por 17 Instituto de Estudios Críticos Cdmx, México (2013-2014). Diplomado en Altos estudios Cinematográficos “Cine de Realidad: dirección de actores naturales”. Escuela Superior de Cine, Cdmx, México (con el apoyo de la fundación BBVA)
Ulises es ganador del premio Gwaertler Stiftung 2025, Basel, Suiza; ganador de la residencia artística St.A.i.R. (Styria-Artist in Residence) Graz, Austria. En 2025 obtuvo el apoyo de Artist at Risk, Ecologist at Risk y Perpetual Mobile como artista residente en Plataforma Caníbal Barranquilla, Colombia; residente artístico en El Santuario Residencias de Arte, Cartagena, Colombia. Fue seleccionado en 2023 dentro del Programa de Promoción de Proyectos Culturales y Coinversiones: con el grupo de trabajo "Límite de lo propio"; FONCA; México. Fue premiado con el Fondo de Apoyo a la Producción Artística UNAM-MUAC y SOMA 2020-2021; obtuvo una mención honorífica en el Premio William Bullock a la Museología Crítica 2020, otorgado por el USC Fisher Museum of Art, el Patronato MUAC y Palabra de Clío. Fue beneficiario del Programa BBVA - Museo de arte Carrillo Gil (2018-2020); acreedor al programa de patrocinios para investigación artística de Fundación Jumex Arte Contemporáneo en su edición 2020, y en su edición 2022, becario del programa “Jóvenes Creadores” otorgado por el Fondo Nacional Para la Cultura y las Artes (FONCA) 2018-2019, y del Programa de Estímulos a la Creación y Desarrollo Artístico del Estado de Puebla (PECDA) en su edición 2019, y en su edición 2021.
Ha participado en más de 50 exposiciones, tanto colectivas como individuales, en Latinoamérica, Estados Unidos y Europa. Entre ellas destacan: Unspoken Territories, Baltic Centre for Contemporary Art (Newcastle, Inglaterra); Latin American Cartographies, Palacio de Bellas Artes de Bruselas (Bruselas, Bélgica); Reconsiderando el Monumento, Palacio Quintanar (Segovia, España); Pulso. Arte de las Américas, Urban Institute for Contemporary Art (Grand Rapids, EUA); y Parasitaje. Ruidos Negros, Museo de Arte Carrillo Gil (Ciudad de México).
Ha sido invitado a impartir charlas, seminarios y conferencias en el 17 Instituto de Estudios Críticos (Ciudad de México, 2014); el Museo de Arte Carrillo Gil (2020); el Museo Amparo (2017); el Museo UPAEP (2017); y Capilla del Arte (2015), en Puebla, México; así como en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, España, 2019). Fue profesor invitado por la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla en la Facultad de Derecho y Ciencias Sociales (2018). Es miembro fundador de La Pajarera, espacio para la experimentación, discusión y producción de arte contemporáneo (2012–2013), y actualmente coordina el proyecto Chasen Thajni: la casa de todos, un espacio comunitario en la Mixteca del estado de Puebla, México.
Mohsen Emadi
Poeta, traductor, cineasta
Mohsen Emadi es un poeta, traductor, investigador y documentalista iraní, nacido en Sari, en la provincia de Mazandaran, al norte de Irán. Comenzó a escribir poesía desde la infancia y publicó tempranamente en diversas revistas. En 1995 se trasladó a Teherán para estudiar ingeniería informática en la Universidad Tecnológica de Sharif, donde participó activamente en proyectos editoriales y en la organización de encuentros sobre cine y filosofía, lo que lo colocó en conflicto con las autoridades universitarias. Influido por Federico García Lorca y el folclore de su región natal, tuvo como mentor a Ahmad Shamlú, quien lo introdujo en la tradición de la Generación del 27 española.
Emadi fue un actor activo en las protestas estudiantiles iraníes de 1999 y, posteriormente, en las manifestaciones de 2009 tras las elecciones presidenciales, hechos que lo obligaron a abandonar Irán y marcaron su condición de exiliado. Desde entonces ha vivido en distintos países de Europa y América. En 2009 llegó a Finlandia para estudiar cultura digital en la Universidad de Jyväskylä; más tarde residió en la República Checa y en España, antes de establecerse en México en 2012, donde desarrolla su labor como docente e investigador en poesía y literatura comparada. Es doctor en literatura por la Universidad Nacional Autónoma de México.
Su trayectoria internacional incluye estancias en Estados Unidos, de donde se retiró en 2017 a raíz de las restricciones migratorias impuestas a ciudadanos de países de mayoría musulmana. Ha participado en numerosos festivales y encuentros internacionales de poesía y pensamiento, y su obra ha sido reconocida con premios y becas como el Premio Poesía de Miedo, la Beca Antonio Machado, la Beca ICORN y el premio Poetas de Otros Mundos del Fondo Internacional de Poesía.
Paralelamente, Emadi ha desarrollado una amplia labor como traductor, llevando al persa obras fundamentales de la poesía de América Latina, España, Europa del Este y los países nórdicos, y ha sido clave en la difusión de la poesía mundial en lengua persa. Asimismo, ha realizado documentales poéticos centrados en la relación entre poesía, realidad y exilio, entre ellos trabajos dedicados a Antonio Gamoneda, Juan Gelman y Luis Cernuda. Es también fundador y editor de plataformas digitales dedicadas a la poesía, y responsable de la edición digital de la obra de Ahmad Shamlú.
Giovanna Marocolo
Curadora y activista
Giovanna Maroccolo (Puebla, México) es licenciada en Diseño y Comunicación por la Scuola Italiana Design y cuenta con estudios en Prácticas Curatoriales y Arte Contemporáneo por la School of Curatorial Studies de Venecia. Actualmente es profesora de Curaduría y Museografía . Desarrolla su práctica profesional en la curaduría, la gestión de proyectos culturales y la docencia, ámbitos que convergen en un mismo marco de interés por la dimensión social y política del arte, así como en la búsqueda de nuevas formas de entender la curaduría como una herramienta de transformación colectiva.
A través de la curaduría, busca generar dispositivos de acción, entendiendo esta práctica como una herramienta comunitaria, crítica y democrática que no se limita al objeto “exposición”, sino que plantea y pone en práctica alternativas para el presente y el futuro mediante experiencias procesuales y colectivas. Su investigación en los últimos años se ha centrado en las dinámicas de poder y las jerarquías sociales, las luchas ambientales y la relación entre lo humano y la naturaleza dentro del marco de los estudios críticos animales. Utiliza las herramientas curatoriales para profundizar su participación en la dimensión política, al tiempo que transforma los espacios de arte en lugares de organización y agitación.
Desde 2015 es cofundadora y directora de Fusion Art Center, una organización cultural enfocada en la investigación y producción de arte contemporáneo con un enfoque político y social, tanto en Italia como en México. De 2016 a 2020 fue curadora del colectivo Derma, a través del cual trabajó en el campo del arte digital, tanto visual como sonoro, mediante exposiciones y performances. Entre 2018 y 2020 fue cofundadora y curadora de Neo, un espacio dedicado a la investigación y producción artística y cultural. Desde 2019 colabora en el proyecto editorial menelique, donde realiza entrevistas a artistas en relación con problemáticas sociales y políticas que atraviesan sus prácticas. Durante estos años ha gestionado exposiciones y proyectos en Italia, China, Corea y México, trabajando con decenas de artistas y dictando cursos y diplomados sobre práctica curatorial y arte político. Como directora de Fusion Art Center, también participa en redes culturales internacionales, colaborando con organizaciones independientes e instituciones de Europa y América Latina.
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Lenka Holíkova
Artista
Nacida en Chequia en 1984, es una artista visual que completó sus estudios de maestría en Artes Visuales en la Universidad de Hradec Králové (UHK), Chequia, y en Pedagogía Especial en la UPAEP, México. Ha sido seleccionada para diversas residencias artísticas, entre ellas: Schiesslhaus AiR en Alemania y Dialog City en Austria (2024), The Other Edges of the World en Chequia, Hablarenarte en España, Ukraine’s Artistic Response to the Russian Invasion en Ucrania, Ateljé Stundars en Finlandia (2023), y 8B Kunstkollektivet en Dinamarca (2021).
Ha recibido apoyos y becas para la producción artística, como el Programa de Patrocinios de la Fundación Jumex de Arte Contemporáneo (2025), el Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes como parte del colectivo “El Límite de lo que Pertenece” (México, 2023), y una beca del Ministerio de Cultura de Puebla, México (2020).
Entre sus exposiciones colectivas se encuentran: Über die Grenzen, Palacio Quintanar, España; El Límite de lo que Pertenece, curaduría de Michel Blancsubé, Santa Inés Ahuatempan, México (2024); 1989, MPAC Ministry of Postcollapse Art, Oregon, EE. UU. (2021); Ixtli Mayahuel, Museo Regional, Cholula, México (2019); Versus, Museo UPAEP, Puebla, México (2016); y Forest City, 7 Explorations, Casa Baltazar, Córdoba, México (2016). Sus exposiciones individuales incluyen: Longings, Museum Graz, Graz, Austria; The Borders Burn, Zwitscher- maschine, Alemania (2024); Frontiers, Methods of Escape, Arte Mare, Replot, Finlandia (2023); In the Realm of Memory, Galería Garco, Puebla, México (2016); y Proyecto Masaryk, Instituto Cultural de México, Ciudad de México (2016).
Paloma Carolina Conejooo
Conservación y restauración de bienes muebles, archivos afectivos y de la memoria, archivos arquitectónicos.
Su práctica se estructura en torno al archivo, la técnica y la conservación, con especial interés en la archivotecnia y la conservación situada como enfoques críticos para pensar la memoria, el documento y sus usos sociales.
Ha desarrollado proyectos de investigación, medición y trabaja comunitario, entre los que destacan El derecho a recordarnos. archivos afectivos y de memoria, un proyecto dirigido a personas en privación de la libertad.
Sofia Sacals Skeme
Curadora
(Ciudad de México, 1999) Curadora. Licenciada en Historia del Arte por la Universidad Iberoamericana. Ha estudiado en Florencia, Italia, en un programa de intercambio con la New York University y en Madrid, España, donde cursó un diplomado en Gestión Cultural en la Universidad Complutense.
Sus investigaciones se han enfocado en los estudios de cultura material, profundizando en la intersección con los estudios identitarios y de género. Ha publicado artículos en revistas tanto mexicanas como internacionales y ha participado en varios simposios como el SUNY New Paltz Undergraduate Art History Symposium (2022) y el Simposio de Historia del Arte de la Universidad Iberoamericana (2021, 2022, 2023).
Sacal cofundó y dirigió un espacio itinerante y experimental para arte contemporáneo llamado "el recinto", el cual operó de 2021 a 2023; desde allí organizó múltiples exposiciones y programas públicos, con el objetivo de dar a conocer la escena de arte emergente en la Ciudad de México. Ha dedicado su práctica como curadora independiente a promover el arte latinoamericano tanto dentro como fuera del continente, con exposiciones como De, desde, en, entre, hacia, llevada a cabo en Londres durante el verano de 2023. Actualmente trabaja en Christie's.
INVITADO
Dayro Carrasquilla
Artista, docente y curador
Dayro Carrasquilla (Cartagena, 1982). Artista visual. Vive y trabaja en la ciudad de Cartagena. Se formó como maestro en Artes Plásticas en la Institución Universitaria de Bellas Artes y Ciencias de Bolívar de Cartagena, 2009.
Es Magister en Artes Plásticas y Visuales/Tesis Laureada por la Universidad Nacional de Colombia, sede Medellín, 2017. Carrasquilla es considerado uno de los artistas sociales jóvenes más dinámicos de la escena del arte del Caribe Colombiano.
A lo largo de su carrera se ha caracterizado por producir, desde su Barrio Nelson Mandela en Cartagena de Indias, una serie de gestos artísticos que problematizan y reivindican los modos en que existen y se transforman las periferias, el papel de la mujer y la definición del paisaje en la construcción de la territorialidad.
Ha realizado exposiciones colectivas e individuales en países como Colombia, Perú, Francia y España. Su obra es parte de la coleccion del Museo de Arte Moderno de Cartagena.
INVITADO
Rafael Rodriguez V (AKA Tokio)
Artista
Rafael Rodriguez V. (Cartagena, Colombia 2000). Artista Plástico en formación de la universidad de Bellas Artes y ciencias de Bolívar (UNIBAC).
Desde una posición biocultural incursionó en la investigación del territorial a través del proyecto MatiZes con el cual buscó desarrollar un archivo vivo de colores obtenidos de las plantas locales mediante procesos de extracción artesanales. Su obra toma cuerpo a través de tintes textiles, las acuarelas y los grabados, explorando sus dimensiones materiales, simbólicas, sus relaciones con el paisaje y los saberes situados.
Fue artista residente en "EL santuario" en enero del 2026, participante, de "La gran subasta de las artes, 2025", dos veces participantes de la exposición "Artistas para Artistas" 2024 y 2025, colaborador en la muestra del artista Dairo carrasquilla en la bienal de Antioquia y Medellín con un apoyo de ESPARCIR 2022.
